Baccalauréat en arts de la scène

Aperçu

Ce baccalauréat offre une approche globale et globale des arts de la scène, une approche qui se concentre non seulement sur la performance dans une perspective participative (c'est-à-dire, en tant qu'interprète), mais qui prépare également l'étudiant à la vaste gamme de carrières disponibles. dans l'industrie des arts de la scène. Bien que la performance reste un aspect central du programme, les étudiants sont également préparés à la vaste gamme de travaux qui soutiennent et produisent la performance, tels que la direction et la mise en scène, la création de matériel écrit pour la performance, la production, la gestion, le marketing et le financement des arts de la scène. Le programme est basé sur une représentation théâtrale en direct (avec des éléments d’enregistrement utilisés à des fins de diagnostic et de développement), mais parallèlement, un diplômé est préparé pour des études approfondies dans toutes les spécialités apparentées des arts de la scène, ainsi que pour une entrée directe dans la discipline. une carrière professionnelle. En effet, le diplôme génère un large éventail de compétences transférables telles que techniques de présentation efficaces, compétences pour utiliser la voix et le corps comme instruments de communication, compétences en interprétation et en composition avec des textes écrits, capacités de gestion, de marketing et de collecte de fonds, ainsi que compétences organisationnelles. Celles-ci sont applicables non seulement dans le contexte des nombreuses carrières dans les arts de la scène, mais aussi dans une grande variété de vocations sociales, culturelles et commerciales.

Calendrier des cours

La structure du programme comprend des ateliers pratiques et des modules de classe académiques. Environ les deux tiers du nombre total d'heures de contact hebdomadaires sont constitués de modules consacrés aux aspects pratiques de la performance. Les élèves reçoivent un enseignement aux niveaux croissants de la performance en direct, y compris le jeu d'acteur, le contrôle de la voix, la danse et le mouvement, la direction et la production. Les progrès des étudiants impliquent le développement et l'accumulation de matériel pour un portfolio qui prouve qu'ils ont atteint les résultats d'apprentissage requis par le programme et sert de base à une évaluation individuelle. Le tiers restant des heures de contact hebdomadaires est consacré à un enseignement académique basé sur la classe qui soutient et contextualise les niveaux ascendants de la formation pratique et comprend des sujets tels que l'histoire du théâtre, la théorie de la performance, le théâtre et la politique, la création littéraire, la gestion et le marketing.

Les modules pratiques sont basés sur un modèle de rôles rotatif dans lequel tous les étudiants se spécialisent à tour de rôle dans chacun des six rôles au cours de l’année: performance principale, performance de soutien, direction, production, rédaction et commerce (gestion, marketing et finance). ). Malgré ces séparations de rôles, les étudiants sont tenus de démontrer une compréhension de l'intégration et de l'interdépendance des activités et de fournir un soutien mutuel, des encouragements et une aide pour tous les domaines d'activité et le groupe dans son ensemble. Le programme insiste beaucoup sur le développement d’une éthique d’ensemble; parallèlement au développement des pulsions créatives et des capacités de l'individu, le diplôme cherche à inculquer à l'étudiant une conscience de l'importance primordiale de la responsabilité du collectif dans la pratique des arts de la scène.

Au cours de la première année du programme, les étudiants sont initiés aux concepts fondamentaux du jeu d'acteur: action, relaxation, spontanéité, monologues, projection, présence, substitution, geste, mouvement, analyses de personnages, voix et diction. Ces perspectives techniques sont développées à travers l'étude du système de Stanislavski et de la technique de Meisner. Les compétences de base en danse et en mouvement comprennent une introduction générale aux styles de danse contemporaine et le développement de la conscience kinesthésique, rythmique, spatiale et corporelle; Les perspectives pédagogiques incluent la méthode Feldenkrais, l'analyse du mouvement de Laban et l'improvisation par contact. Les cours de réalisation et de production fournissent une analyse pratique des approches adoptées depuis le XIXe siècle, notamment les méthodologies de réalisme, naturalisme, symbolisme, épopée, brechtienne et postbrechtienne.

Au cours de la deuxième année, l’accent est mis de plus en plus sur l’application et le développement des compétences acquises au cours de la première année, accompagnés d’une analyse des formes et des praticiens clés, notamment la conception, l’improvisation, le clown, le mime, la caractérisation et la technique de Chekhov; les approches dirigeantes d'Antonin Artaud, Jerzy Grotowski et Peter Brook; et développement continu des compétences en danse et en mouvement, y compris chorégraphie, improvisation, amélioration de la coordination corporelle et du vocabulaire du mouvement, amélioration du conditionnement pour soutenir la capacité technique et exploration plus poussée des styles de danse contemporains. En deuxième année, les étudiants commencent également à examiner la pratique de l'écriture dramatique, d'abord au moyen d'adaptations d'œuvres canoniques, mais de plus en plus par la production d'œuvres entièrement originales destinées à être interprétées par la classe. Le mouvement vers une application pratique des compétences de performance au cours de la deuxième année est soutenu aux deux semestres par des modules de gestion d'événements, qui utilisent comme études de cas la conception, la planification et la gestion de divers événements des arts de la scène par le groupe de classe.

La dernière année d'enseignement du programme se concentre sur la pratique des arts de la scène par la classe. Bien que les approches historiques et contemporaines soient prises en compte, l’objectif principal est désormais de produire à partir des ressources internes du groupe des présentations largement ou complètement originales pour des performances publiques. Alors qu'au cours des deux années précédentes, tous les membres de la classe ont exercé à tour de rôle les six rôles rotatifs, les rôles sont attribués par l'équipe d'enseignement du programme en dernière année, en fonction des capacités et des aptitudes individuelles identifiées au cours des semestres précédents par chaque élève. Les présentations du Master Class sont données par des acteurs, des danseurs et des directeurs établis, ce qui donne à la classe la possibilité de dialoguer directement avec ceux qui ont une expérience significative dans divers aspects des arts de la scène. Ces présentations sont combinées à des cours en atelier qui préparent l'étudiant à participer à l'industrie des arts de la scène, avec des sessions offrant des conseils à des praticiens expérimentés sur des sujets tels que le curriculum vitae et la préparation de portraits, la préparation d'interviews et d'auditions, ainsi que des auditions simulées.

Tout au long de leur étude, les participants participent à un certain nombre d'exercices de performance didactiques et illustratifs, qui aboutissent aux performances de démonstration à la fin de chaque année scolaire. Le personnel enseignant donne des conseils et des conseils pour la préparation de ces représentations. En même temps, la classe est responsable en dernier ressort de tous les aspects de la performance et l'évaluation repose à la fois sur l'exécution individuelle des rôles attribués et sur la performance du groupe dans son ensemble. Le processus de développement de la responsabilité et de la préparation à une carrière dans le domaine des arts de la scène se termine par un stage de 1200 heures, effectué en quatrième année ou de manière incrémentielle au cours des trois années d’été et d’autres pauses. En guise d'alternative au stage, avec l'approbation du responsable du programme, les étudiants peuvent entreprendre le projet Production et performance, dans lequel un autre projet majeur est développé, répété et documenté au cours de la formation. année et livré en été.

Le programme est composé des composants suivants:

45 crédits minimum de la majeure en arts de la scène, incluant

• CW201 Introduction à la création littéraire *
• IB200 Introduction à la gestion *
• PA203 Création du personnage *
• PA204 Danse et mouvement 1 *
• IB203 Principes de marketing *
• Sondages PA208 *
• PA209 Danse et mouvement 2 *
• PA251 Agissant pour l'écran 1 *
• PA303 Les personnages anglais et américains sur scène
• PA307 Naturalisme et réalisme dans la performance
• PA321 Artisanat de théâtre 1
• PA322 Artisanat de théâtre 2
• PA405 Projet arts de la scène 1
• PA403 par intérim et voix 3
• PA404 Dance 3
• PA405 Projet arts de la scène 1
• PA409 Projet arts de la scène 2
• PA425 Stage (1200 heures / 30 crédits - effectué en quatrième année ou de manière incrémentielle au cours des trois années d’été et d’autres pauses)
• Ou
• PA427 Projet de production et de performance (30 crédits)

* Indique le module d'enseignement général

30 crédits minimum de cours d'enseignement général

• Les cours d'écriture créative et d'arts libéraux de niveau 200 font tous partie des cours d'enseignement général et peuvent être pris en compte dans les exigences en matière d'enseignement général.

45 crédits de cours au choix gratuits

• Les cours restants pour atteindre le total requis de 120 crédits peuvent être librement choisis par l'étudiant, à condition que les conditions préalables soient respectées.
• L'étudiant peut choisir comme choix libre plus de 45 crédits au minimum dans les classes principales des arts de la scène.
• L'étudiant peut choisir comme option libre plus que le minimum de 30 crédits d'un cours d'enseignement général.
• Si un étudiant souhaite prendre une mineure, un minimum de 15 crédits doit être pris dans la mineure, avec au moins 9 crédits dans les divisions supérieures (300); ces crédits mineurs sont tirés de l'exigence facultative et gratuite.

Exemple d'horaire de cours

Année 1

• Introduction aux arts de la scène
• Histoire du drame
• Introduction à la gestion des arts de la scène
• Interprétation et voix 1 (9 heures par semaine)
• Danse 1 (3 heures par semaine)
• Principes de marketing
• Drame et politique
• Réalisation et production 1 (3 heures par semaine)
• Interprétation et voix 1 (6 heures par semaine)
• Danse 1 (3 heures par semaine)
• Deux représentations de fin d'année

Année 2

• Écriture dramatique 1
• Perspectives théoriques sur la performance ou représentations des sexualités
• Gestion d'événements pour les arts de la scène
• Interprétation et voix 2 (9 heures par semaine)
• Danse 2 (3 heures par semaine)
• E-commerce et marketing Internet pour les arts de la scène
• Réalisation et production 2 (3 heures par semaine)
• Interprétation et voix 2 (6 heures par semaine)
• Danse 2 (3 heures par semaine)
• Conception d'événements et expérience pour les arts de la scène
• Deux représentations de fin d'année

Année 3

• Écriture dramatique 2
• Performance à l'écran
• Présentations de maître
• Interprétation et voix 3 (9 heures par semaine)
• Danse 3 (3 heures par semaine)
• Le commerce des arts de la scène
• Réalisation et production 3 (3 heures par semaine)
• Interprétation et voix 3 (6 heures par semaine)
• Danse 3 (3 heures par semaine)
• Projet d'arts de la scène
• Quatre spectacles de fin d'année en vitrine

PA425 Stage (1200 heures, complétées en quatrième année ou de manière incrémentielle au cours des trois années d’été et d’autres pauses).

Exigences du cours

Conditions d'entrée

• Le programme a un apport par an: septembre.
• Les candidats doivent fournir une preuve de leur diplôme d'études secondaires (secondaire), les matières de la dernière année devant inclure l'achèvement de l'anglais.
• Un étudiant potentiel doit soumettre sa candidature pour le cours directement au bureau des admissions de l’ American College Dublin .
• Les candidats dont la langue maternelle n'est pas l'anglais devraient avoir un score IELTS de 6,5 (ou l'équivalent).
• Une entrevue et une audition sont nécessaires pour pouvoir participer au cours BFA in Musical Theatre. Pour l’audition, vous devez préparer deux monologues parlés, un classique et un moderne; deux chansons de théâtre musical contrastées, une avant 1965; et participez à une évaluation de la danse. Les étudiants doivent contacter le bureau des admissions de l' American College Dublin pour obtenir des détails sur le processus d'entrevue et d'audition.

Étudiants en formation continue

Le collège accepte les étudiants des collèges de formation continue dans tous ses cours. Les étudiants doivent avoir acquis trois distinctions dans un domaine apparenté du programme qu'ils souhaitent étudier. Les étudiants doivent détenir un prix complet de niveau 5 ou de niveau 6, prix qui peut avoir été acquis sur plusieurs années. Les étudiants ayant une qualification FETAC peuvent accéder aux American College Dublin et American College Delaware.

Demande d'étudiant adulte

Les candidats matures peuvent postuler directement au bureau des admissions. Une entrevue et une audition sont nécessaires pour pouvoir participer au cours BFA in Musical Theatre. Pour l'audition, vous devez préparer un monologue parlé, une pièce de chant a capella et une pièce de danse (si vous souhaitez un morceau d'accompagnement pour la danse, veuillez apporter un CD). Chaque morceau ne devrait pas durer plus de deux minutes. Les candidats matures doivent contacter le bureau des admissions de l' American College Dublin pour obtenir des détails sur le processus d'entrevue et d'audition.

Autres applications de l'UE

Tous les étudiants ayant passé des examens dans un État membre de l’UE devraient avoir appris l’anglais au cours de leur dernière année. La seule exception à cette règle concerne les étudiants ayant obtenu le baccalauréat. Ces étudiants doivent avoir suivi des cours de mathématiques et d’anglais pour les niveaux O.

Pour les étudiants étrangers, des auditions sur Skype peuvent être organisées. Plus d'informations sont disponibles dans le menu Admissions ou en contactant le bureau des admissions.

Compétences professionnelles

En plus des connaissances académiques que les étudiants acquièrent tout au long de la matière de leur choix, ils pourront également acquérir et développer des compétences professionnelles transférables à partir de leur discipline. Ces compétences, ainsi que les perspectives de carrière, sont indiquées ci-dessous pour vous donner une vue d'ensemble de ce que le cours peut offrir.

Ces compétences comprennent:

• la communication
• Compétences en écriture
• La créativité
• Techniques de présentation efficaces
• Capacités de gestion, de marketing et de collecte de fonds
• Compétence d'interprétation et de composition avec des textes écrits
• Compétences organisationnelles
• Compétences en recherche
• Gestion du temps

Le BFA en arts de la scène est conçu pour préparer les étudiants à un certain nombre de futures carrières dans les domaines suivants:

• Théâtre
• Arts et gestion d'événements
• Radiodiffusion locale et communautaire
• Enseignement
• Recherche
• Vocations culturelles et professionnelles

Le programme sert également à préparer les étudiants à participer à divers programmes de troisième cycle tels que le MFA en création littéraire et le MB en commerce international.